Pickpocket, una obra que se distingue

Independiente de nuestros gustos personales, cada película tiene su particularidad. Pero la que estamos mencionando, se distingue por muchos motivos, los cuales estaremos exponiendo en este post. Presentamos a Pickpocket de Robert Bresson.

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Lanzada en 1959, es una de las más destacadas de este director. Basada, según muchos, en la obra de Dostoievski, Crimen y Castigo, especialmente por las similitudes en los caracteres de los personajes (Confieso que tengo que leer aún la novela, tan pronto la lea, podré hacer una comparación decente). La verdad, es la primera película de Bresson con la que me topo, y hasta ahora no deja de intrigarme. Tal vez sea por la aparente simplicidad de su puesta en escena y diálogos, o la falta de emociones y sentimientos en los personajes, o simplemente todo.

Trata de un hombre llamado Michel, quien encuentra en el robo (creo que hurto en este caso, se acerca más al contexto) una manera de hacerse conocer…de expresarse. No lo hace porque quiere o porque necesita precisamente dinero para subsistir, tranquilamente podría prescindir del  mismo. Encuentra en esa arriesgada actividad algo muy excitante, que le causa placer el experimentarlo. El robar las carteras (o bolsos, o billeteras) con importantes cantidades de billete dentro, supone un fetiche.

Tiene una madre, quien está muy enferma, literalmente moribunda, a quien por algún motivo no quiere ver, por más de que diga que la ama mucho. La señora, está cuidada por Jeanne, una joven mujer cuyo porte puro y angelical en algún momento capta la atención del estimado Michel.

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Un amigo llamado Jacques, cuestiona la actitud de nuestro ladronzuelo, quien en cierto momento de la película justifica sin ningún miedo el hecho de que se pase hurtando carteras y billeteras. Desde el punto de vista común, no tiene demasiado sentido y tampoco una razón por la cual sea moralmente correcto hacerlo, pero la película expone esto a un nivel, puedo decirlo, superior.

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Supongo que no viene al caso detallar demasiado lo que trata la historia, ya que podría aguar la experiencia. Esta película no da demasiada importancia al argumento en sí, si no los personajes son quienes se destacan, especialmente Michel. Es genial cuando los personajes empiezan a despegarse del argumento y no ser tan dependientes de ello para poder destacarse y que pueda tener un significado para nosotros.

Lo ideal sería que cada uno se deje llevar por las imágenes y pueda delimitar quienes son los personajes, que hacen, que piensan…Pickpocket deja a disposición de nosotros todos sus elementos, de manera a que nosotros los tomemos y con nuestras interpretaciones lleguemos a algo.

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Me intriga, como había mencionado al inicio, lo simple que es (en primera instancia) la película. Tiene pocos personajes, los cuales no demuestran sentir demasiado sus papeles, nada más se encargan de accionar de acuerdo al argumento, lo cual indica que gracias a las acciones, vamos construyendo nuestras ideas acerca de esos personajes en nuestras cabezas y el rumbo que la película podría tomar. No da espacio para interpretaciones de un solo tipo, es bastante abierta.

Además, tiene una puesta en escena que no es para nada compleja, sólo lo necesario. Mayormente, los escenarios son las calles de la ciudad, que es lo que la hace aún mucho más bonita. Una fotografía nada despreciable, un blanco y negro decente que se conjuga con esa atmósfera seca y neutra, nada emocional.

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Los diálogos son precisos, no dan espacio para rodeos, sólo aparecen en el momento preciso. Del resto, se encargan las acciones. Como había leído en otros sitios, ¿quien se iba a imaginar que el hurtar una billetera o un valioso reloj (algo típico y nada relevante, digamos) podría transformarse en algo tan particular, tan bonito incluso?. Esta secuencia lo explica mejor.

La música también tiene su espacio en la justa medida, apareciendo en los instantes precisos. Sin molestar demasiado, la música es un complemento para dar mucha más vida a ciertas escenas, ya que en sí la película por sí misma puede transcurrir sin nada de música…si es que nos ponemos a pensar en ello.

Con Martin LaSalle como Michel, Marika Green como Jeanne, Pierre Leymarie como Jacques. Ninguno de los actores fueron profesionales. Otro punto a favor, aunque no lo parezca.

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Perfecta desde donde se lo mire, Pickpocket asegura un excelente momento tan solo comenzando a verla.

He aquí el trailer

y su IMDb.

 

Crawdaddy Simone

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Scarlet Street, perversa

De hecho el título en español es “Perversidad“.  No está lejos de ser así.

Nos trasladamos a USA y nos topamos con su “época americana”. Desde que pisó esas tierras, no llegó a hacer películas como M (del cual ya hablamos aquí) o Metrópolis, pero hizo películas como esta, de la cual se habla hoy, Scarlet Street. Una obra, como ya lo menciona el título, perversa.

La considero como una de mis favoritas, tiene sus particulardades que la hace apasionante. Una de las tantas obras que vale la pena revisar del gran Fritz Lang.

Trata de un hombre, Christopher. Un trabajador del banco, de función cajero, quien durante 25 años estuvo al servicio de la institución. La película empieza alegremente con una celebración hecha especialmente para él de parte de sus compañeros de trabajo y su jefe, quien en un momento, luego de una dedicatoria, le regala un reloj bastante valioso  que lo hace quedar casi sin algo que decir. Desde esta primera parte vamos conociendo a nuestro protagonista, quien se ve como una persona muy noble, dedicada a su trabajo pero al mismo tiempo se puede notar un cierto aire de frustración.

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Da la casualidad que se encuentra con un hombre y una mujer peleando a unas cuadras de él, y, queriendo intervenir, se interpone y “da su merecido” a quien quería hacer daño a Kitty (o Katherine), con quien surge una aparente historia de amor. Con la tal vez inocente intención de conquistarla, le dice que es pintor a tiempo completo y que realmente no está interesado en el dinero a la hora de poner en marcha sus trabajos.

Lo es, pero es nada más que un pasatiempo para liberarse de la tiránica esposa llamada Adele, quien en todo momento hace alusión a su difunto marido y tortura psicologícamente al actual de forma constante, diciéndole que él deberia darle la atención y las cosas que él solía ofrecerle.

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Pasa el tiempo y nuestro protagonista está cada vez más encantado con la bella y adorable dama. ¿Es posible que ella sienta lo mismo en algún momento de la historia?

Conocemos a Johnny, quien resulta ser la “auténtica” pareja de Kitty. Un hombre de lo más perverso que haría cualquier cosa por dinero. La relación entre ambos tiene constantes altibajos que a veces resultan en violencia, por cuestiones de dinero. Kitty vive en un apartamento con una amiga, comparten el alquiler pero Kitty no puede costearlo, ya que constamente su enamorado pide algo de dinero. Johnny descubre una carta redactada por Christopher en el apartamento donde vive con Kitty y la interroga, de ahí llega a conocer de quien se trata el autor de la carta y queda interesado. Le da la impresión de que Chris es un hombre afamado y con dinero, y ya que los tiempos en que ambos viven no son prósperos, se le ocurre el utilizar al noble artista como herramienta para poder conseguir algunos billetes.

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Kitty no está muy segura de eso, hasta por un momento nos damos cuenta de que ella tiene una imagen dulce y caballerosa de Chris, pero, ¿hará caso a lo que ella piensa, o lo que dice Johnny, quien se muestra cada vez más exasperado por tener algo de dinero? ¿De cuantas cosas uno puede ser capaz para tener el tan sonado bienestar económico?

Durante 25 años, Christopher ha sido intachable y ha llevado una buena vida, aunque por dentro no lo sienta de esa forma. Pero, ¿será capaz el noble y honesto cajero/pintor de hacer lo que sea con tal de conquistar a la mujer de sus sueños, y dejar atrás esa vida próspera pero a la vez frustrante? Es la primera vez que se topa con una mujer así, y esta es su oportunidad de encontrar la felicidad tan anhelada por él.

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Scarlet Street está protagonizada por Edward G. Robinson, un actor quien se luce en el papel del hasta enternecedor señor Christopher Cross; Joan Bennett como la bella y manipuladora Kitty (o Katherine March), un personaje que de alguna manera nos conquistará; y Dan Duryea como el cruel y no menos encantador Johnny Prince, un papel gracias al cual se ha destacado bastante.

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Siempre digo que películas como esta ya no se hacen, que actores como los citados anteriormente ya no vemos en ningún lugar, que directores tan increíbles e influyentes como Fritz Lang presenten obras como esta…que a pesar de las innumerables barreras que ofrece Hollywood, supo mantener su esencia y no defraudarnos con Scarlet Street. La cual considero una de las más logradas de la época americana, además de Fury, You Only Live Once, The Woman in the Window, The Big Heat y otras más.

Fritz Lang tiene un estilo que cada vez más me fascina, por el hecho de que cada historia, por más de que por dentro “queramos” que termine bien, él se propone hacer que termine de una manera que no siempre nos haga acordar de un cuento de hadas. Este director nunca fue fanático de los finales felices y creo que eso le da un toque que lo distingue. Es irreversible y muy cruel, que es capaz de jugar con las historias (y con nuestras emociones) de manera a que en algún momento nos quite el aliento y hasta por que no, gritar.

Hablando de lo visual, es una de las películas cuya fotografía más me ha llamado la atención, un blanco y negro radiante adaptándose a la atmósfera tan abrumadora pero intrigante. Ahora, les pregunto: ¿sería posible que una película alcance el resultado que se obtiene con el blanco y negro, si es que se hace a colores? Hablando del film noir, por supuesto…me gustaría que dejen sus opiniones.

El guión es uno de los más hilarios e interesantes, tiene líneas que se nos queda en la cabeza por un buen tiempo, y está más que logrado. Más aún por la interpretación de los actores, factor que favorece en gran medida al resultado final de la película. Si los actores no ponen de su partes para que los diálogos cobren vida, entonces en gran parte la película fracasa.

Una película para verla una y otra vez, la recomiendo!

He aquí el trailer,

y su IMDb.

Crawdaddy Simone

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Gun Crazy (a.k.a. Deadly is The Female), oh shoot!

El Film Noir es un vicio. Puede parecer “monotemático” por el hecho de que haya asesinatos, violencia, misterios sin resolver, pasión, armas y mujeres muy hermosas en cada película pero tiene un encanto que cuesta explicar en palabras. Una vez que te atrapa ya no salís. Gun Crazy es un ejemplo del encanto privilegiado que posee este género del cine, uno de los más brillantes en todo aspecto.

Cada historia que se presenta por más de que entre todas haya muchas similitudes, lo que distingue a cada una de ellas es la manera en que se las cuenta y por tanto, la atmósfera que se crea gracias a ellas. En este y en todos los casos, ese es el punto importante que hace ver si una película realmente llegará a funcionar o no. Vale la pena recalcar eso.

La que vamos a presentar tiene todo lo citado anteriormente y mucho más. Gun Crazy, o conocida originalmente como The Female, es la obra más conocida del director  Joseph H. Lewis.  Basada en una historia publicada en un periódico, es una joya en blanco y negro, la cual no debe ser ignorada. He aquí el motivo.

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Bart, un hombre obsesionado con las armas hasta más no poder. Bastante peculiar. La película comienza recorriendo la vida de nuestro protagonista desde temprana edad y contemplando como su amor hacia el gatillo crece a niveles insospechados. Se aprecia en primer lugar a un joven Bart, bajo la lluvia, en un escenario con el aura típico tan adorable de este tipo de películas, se acerca a una vitrina y contempla un arma. Tanto es el entusiasmo por ella que rompe el vidrio y la toma.  Uno de los agentes lo descubre y lo lleva para ser juzgado.

Su intento de escape fue fallido. Bart trata de defenderse, incluso tiene testigos a su favor. Un flashback determinante indica el día en que de niño, Bart toma una escopeta, con fascinación y empieza a apuntar aquí y allá. Luego, la curiosidad le invade y apunta a uno de los pollitos que se encontraba junto con sus hermanitos y la madre gallina hasta que…bam! dispara y da en contra del pollito.

Más tarde, ya hecho un hombre, Bart va a uno de los tantos espectáculos de ferias y da la casualidad de que se topa con Annie Laurie Starr.  Ella al segundo llama la atención de nuestro protagonista y no la deja de mirar. No solamente por su cautivante porte y belleza, si no que hay algo más, su manejo magistral de las armas. Más que cualquier otro punto, eso es lo que los conecta desde el momento en que Bart se anima a subir a escena junto a ella a hacer algunas demostraciones.

Annie es hermosa, talentosa, para nada tonta. Al instante se siente la conexión entre ella y Bart. Ambos van a someterse a peripecias en las cuales incluso ponen a prueba los miedos por parte de nuestro principal personaje, ¿de que miedos estamos hablando? Es importante prestar atención desde el primer momento de la película.  Además, la manera en que suceden los acontecimientos en donde la pareja comienza a causar estragos en la ciudad con diversos asaltos a bancos, nos hace ver como un preludio a películas que más tarde brillarían, incluso mucho más que esta y muchos de nosotros las conocemos. De hecho, está medianamente basada en la historia real de Bonnie and Clyde, además del cuento corto mencionado anteriormente, publicado en un periódico.

¿Hasta que punto uno puede llegar para conseguir la tan comentada felicidad o este añorado bienestar especialmente financiero? ¿Es necesario llegar hasta el punto de agarrar un arma y empezar a gatillar con tal de conseguir unos billetes? ¿Será capaz Bart de hacer hasta lo que no desea con tal de mantenerse al lado de Annie?

Muestro esta escena.  La persecución fue grabada en una sola toma, dura aproximadamente 3 minutos. Se colocó una cámara en la parte trasera del vehículo, sin algún detalle que agregar. Más que lograda. Tengamos en cuenta detalles interesantes: la mayor parte del diálogo en esta escena es improvisado. ¿Por qué? Cuando se pregunta en la escena si hay lugar para estacionar, al momento de filmarla, de hecho no se sabía si había lugar para estacionar. Lo que significa que el escenario podía cambiar por completo en ese momento.

Incluso las personas alrededor del lugar pensaron que sí hubo un asalto al banco cuando sólo se estaba filmando la misma. Es bueno saber que algo de improvisación no hace mal a una película, al contrario, la enriquece y la hace más fascinante. Incluso para la improvisación hay que tener algo de conocimiento. La escena hasta hoy en día es un clásico del cine en todo aspecto.

Acá hay algo indiscutible, una vez más un arma y una mujer se destacan. ¿Qué es eso que tanto atrae de esta combinación que es prácticamente parte de lo que significa el Film Noir? Es seguro que podríamos extendernos más de la cuenta. Personalmente, es apasionante. Mientras tanto, dejo a cuenta de ustedes deleitarse con esta obra que, claro está, la recomiendo.

Con John Dall  (Bart) y Peggy Cummins (Annie) como protagonistas, ambos brillantes en sus personajes. Una puesta en escena sencilla pero para nada despreciable, el bajo presupuesto destinado a esta película fue lo suficiente para conseguir este resultado. Un blanco y negro fascinante. La técnica de filmación empleada en la escena de la persecución y en la película en general fue y sigue siendo influencia para muchos que hacen cine o que quieren hacer cine. Influencia especialmente  Bonnie and Clyde y About de Souffle que hasta hoy también siguen siendo recordadas y admiradas como obras maestras del cine de todos los tiempos.

Algunos sitios web y personas propiamente dichas discuten si esta película puede llegar a pertenecer al Film Noir. ¿Qué opinás? ¿Se la puede incluir en ese género?

Dejo esta especie de adelanto (no sé si considerarlo un trailer, tiene demasiados spoilers pero dejo a merced),

y su IMDb

Crawdaddy Simone

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The Lodger, mucho más hermosa de lo que aparenta

Estuve y estoy muy entusiasmada con los early works de Hitchcock, sus películas silentes son realmente joyas del cine que no siempre tuvieron la apreciación que se merecen, probablemente porque haya obras mucho mejor logradas, como Psycho o Vertigo, ambas igualmente referentes del estilo inigualable de un director cuyas huellas en la historia del cine y de muchos de sus expectadores, permanecen.

En esta ocasión presentamos a The Lodger, A Story of the London Fog. Según el propio director, esta película fue la primera enteramente “Hitchcock”, refiriéndose al estilo que propone. Evidentemente influenciado por películas de Fritz Lang y el expresionismo en sí,  The Lodger es estéticamente oscura a primera vista, pero no por ese motivo, deja de ser hermosa y atrapante.

La trama está basada en una novela de Marie Belloc Lowndes con el mismo nombre, inspirada a la vez por la historia de Jack The Ripper,  y un play llamado Who is He? en la que también Belloc Lowndes tuvo participación.

Trata de un asesino serial en Londres y que, exclusivamente tiene como víctima a mujeres de cabellera rubia. Inicia con la secuencia de los créditos, que personalmente, creo que  son fascinantes y ya te transportan a lo que se viene, para luego iniciar desde ya la película con una de las víctimas.  La desesperación y el miedo se apodera de Londres, apenas se encuentran pistas y el “Avenger” logra su cometido y pudiendo escapar.

Daisy, una joven de cabellera rubia que participa en desfiles de moda. Vive con sus padres. Una especie de sweetheart la visita constantemente, un detective llamado Joe.

La casa de Daisy recibe un día una sorpresiva visita, un hombre con una apariencia bastante ambigua, igualmente apuesto y con una belleza innegable, desea hospedarse en la casa. Los padres reciben al hombre, ya sumidos por el miedo de que probablemente sea el Avenger, y le ofrecen una de las habitaciones. Sólo desea leche, pan y manteca para que lo dejen en paz.

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Ya con el extraño huésped en la casa, se siguen registrando casos de asesinatos de mujeres rubias, cada vez más cercanos a la casa de Daisy. Esta joven de a poco va entablando relación con el atrapante Lodger. La misma n es bien vista por la familia, ya que se tienen cada vez más sospecha de que el huésped es el asesino. ¿Será realmente The Lodger el tan buscado Avenger?

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Desde sus primeros trabajos, Hitchcock no defrauda. Y como había mencionado anteriormente, esta película es un adelanto de películas mucho mejor logradas y claro está, de un estilo que hasta ahora es imposible de imitar y la cual muchas personas, como yo, se sienten fascinadas.

Hitchcock es uno de los pocos directores que nos brindan a su modo, una completa cátedra sobre cine. No digamos que lo que afirme este director es cierto y el resto no, pero es evidente que la técnica utilizada y los resultados en pantalla, dan a entender ciertos puntos a tener en cuenta a la hora de hacer películas.

Sin muchos intertitles, ya que Hitchcock siempre apostó a que este tipo de películas se narren, no tanto con las palabras, si no con las imágenes. Por eso, recomiendo prestar completa atención desde el inicio. Es muy difícil quedarse dormido o aburrido, ya que hay momentos en que probablemente te quedes atónito y un tanto agitado. Típico del maestro Hitchcock.

Está demás apuntar a la genial producción, a la puesta en escena, a la fotografía y el guión. Todos perfectamente sincronizados, para lograr un trabajo que vale la pena verlo, reverlo y analizarlo más adelante.

The Lodger: A Story of the London Fog (1926)

Con el talentoso Ivor Novello (The Lodger, su rol más conocido) y la tierna June Tripp ( Daisy, mucha hermosura también)  como protagonistas, The Lodger es para verla una y otra vez. Ya sea en su versión blanco y negro, como su versión  a color.

Es la primera película en donde Hitchcock comienza a hacer sus peculiares cameos, sin aparecer en los créditos. A ver en dónde lo encuentran esta vez.

Más que recomendada. ¡Disfrútenla!

He aquí el trailer

y su IMDb .

Firma, Crawdaddy Simone

 

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Una temporada en el infierno con Rimbaud, anótense

Si, hace mucho tiempo estoy con esta sección a la intemperie. La obra que presento a continuación se va a encargar de revivirlo, y no se imaginan como. En esta ocasión, presentamos a Una Temporada en el Infierno.

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Escrita por Jean Nicolas Arthur Rimbaud, esta obra consiste en una exquisita y delirante poesía en prosa (con varias secciones no menos relevantes en verso) que nos hace viajar a su muy particular estilo.

Una de las secciones de libro, hace una mención directa/indirecta de la tormentosa pero intensa relacion que tuvo con el también escritor Paul Verlaine. Esta pareja en su tiempo, ha escandalizado mas de la cuenta, tanto asi que muchos los han despreciado. Verlaine incluso dejo a su familia (a quien maltrataba excesivamente, de hecho) para fugarse con Rimbaud. Quien luego de un breve lapso de tiempo, intensamente vivido, terminaron abruptamente su relación. Teniendo en cuenta que casi Verlaine mata a Rimbaud. Igualmente, Rimbaud, ya alejado de la escritura, encargo a Verlaine los manuscritos de lo que seria otra de sus obras, Iluminaciones.

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El paso de Rimbaud por este mundo (y el de las letras) fue demasiado breve, pero aprovecho su tiempo lo suficiente como para dejar su huella. Murió a los 37 años aquejado de una enfermedad.

Es interesante como ciertos libros -incluyendo a este-, tienen la capacidad de crear imágenes tan preciosas en nuestras cabezas. No tienen que ser precisamente realistas o demasiado obvias, pueden ser sueños…pueden ser delirios, alucinaciones, deseos…lo que sea. No importa su naturaleza, se crean esas imágenes y nos mantienen por un breve lapso de tiempo y, muy a pesar nuestro, no queremos que termine. Rimbaud hizo uso a su manera de las palabras para hacerlas imágenes de una manera increíble, leamos unos cuantos extractos:

“‎(…)
¿No están allí esas almas honradas, que desean mi bien?…¡Que acudan!… Tengo una almohada sobre la boca, no me oyen, son fantasmas. Por lo demás, nadie piensa en los otros. No se me acerquen. Huelo a quemado, es evidente.
(…)

– de la sección Noche en el Infierno

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“Volveré con miembros de hierro, la piel ensombrecida y los ojos enfurecidos: por mi máscara se juzgarán de una raza fuerte. Tendré oro: seré ocioso y brutal. Las mujeres sueñan con esos feroces inválidos que vienen de los países cálidos. Estaré inmerso en asuntos políticos. Salvado.

Mientras tanto, estoy maldito, y me horroriza la patria. Lo mejor es tirarse completamente ebrio en la playa.

– de la sección Mala Sangre

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“Gustaba de las pinturas idiotas, ornamentos de puertas, decorados, telas de saltimbanquis, enseñas, iluminadas estampas populares; la literatura pasada de moda, latín de iglesia, libros eróticos sin ortografía , novelas de nuestras abuelas, cuentos de hadas, pequeños libros de infancia, viejas óperas, estribillos bobos, ritmos ingenuos.

Soñaba cruzadas, viajes de descubrimiento sobre los que no existen relaciones, repúblicas sin historia, guerras de religión sofocadas, revoluciones de costumbres, desplazamientos de razas y de continentes: creía en todos los encantamientos.

¡Inventaba el color de las vocales! —A negra, E blanca, I roja, O azul, U verde.—Regía la forma, el movimiento de cada consonante, y, con ritmos instintivos, me jactaba de inventar un verbo poético accesible, un día u otro, a todos los sentidos. Reservaba la traducción.”

– de la sección Alquimia del Verbo

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Puedo dar garantías de que se van a quedar con el libro durante toda la jornada, desde el momento en que lo agarren. Es uno de esos libros que anulan el paso del tiempo, de tan inmerso que estas en el, hasta que te das cuenta de que el libro se ha terminado. Y claro, da para leerlo de nuevo. Una y mil veces.

Consideremos que este es el único libro publicado por el propio Rimbaud, en su tiempo no hubo demasiada distribución, solo unas cuantas personas recibieron una copia de ella en su momento. Este libro originalmente lo había escrito para el mismo. Aunque a principios del 1900, el resto de aquella edición fue encontrada por un critico francés.

Lastimosamente, como suele suceder en muchos casos. Se comenzó a valorar el trabajo del fabuloso Rimbaud en sus últimos tiempos y mucho mas, luego de su muerte. Toda su obra, incluyendo la que estamos citando en este post, ha marcado a muchos escritores (véase Jim Morrison, Patti Smith, Bob Dylan, André Bretón, etc) y no tan escritores.

Firma, Crawdaddy Simone (o Crawñ)

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P.D.: Algún libro para recomendarme? Sean libres de gritarme, querubines.

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