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Pickpocket, una obra que se distingue

Independiente de nuestros gustos personales, cada película tiene su particularidad. Pero la que estamos mencionando, se distingue por muchos motivos, los cuales estaremos exponiendo en este post. Presentamos a Pickpocket de Robert Bresson.

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Lanzada en 1959, es una de las más destacadas de este director. Basada, según muchos, en la obra de Dostoievski, Crimen y Castigo, especialmente por las similitudes en los caracteres de los personajes (Confieso que tengo que leer aún la novela, tan pronto la lea, podré hacer una comparación decente). La verdad, es la primera película de Bresson con la que me topo, y hasta ahora no deja de intrigarme. Tal vez sea por la aparente simplicidad de su puesta en escena y diálogos, o la falta de emociones y sentimientos en los personajes, o simplemente todo.

Trata de un hombre llamado Michel, quien encuentra en el robo (creo que hurto en este caso, se acerca más al contexto) una manera de hacerse conocer…de expresarse. No lo hace porque quiere o porque necesita precisamente dinero para subsistir, tranquilamente podría prescindir del  mismo. Encuentra en esa arriesgada actividad algo muy excitante, que le causa placer el experimentarlo. El robar las carteras (o bolsos, o billeteras) con importantes cantidades de billete dentro, supone un fetiche.

Tiene una madre, quien está muy enferma, literalmente moribunda, a quien por algún motivo no quiere ver, por más de que diga que la ama mucho. La señora, está cuidada por Jeanne, una joven mujer cuyo porte puro y angelical en algún momento capta la atención del estimado Michel.

pickpocket

Un amigo llamado Jacques, cuestiona la actitud de nuestro ladronzuelo, quien en cierto momento de la película justifica sin ningún miedo el hecho de que se pase hurtando carteras y billeteras. Desde el punto de vista común, no tiene demasiado sentido y tampoco una razón por la cual sea moralmente correcto hacerlo, pero la película expone esto a un nivel, puedo decirlo, superior.

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Supongo que no viene al caso detallar demasiado lo que trata la historia, ya que podría aguar la experiencia. Esta película no da demasiada importancia al argumento en sí, si no los personajes son quienes se destacan, especialmente Michel. Es genial cuando los personajes empiezan a despegarse del argumento y no ser tan dependientes de ello para poder destacarse y que pueda tener un significado para nosotros.

Lo ideal sería que cada uno se deje llevar por las imágenes y pueda delimitar quienes son los personajes, que hacen, que piensan…Pickpocket deja a disposición de nosotros todos sus elementos, de manera a que nosotros los tomemos y con nuestras interpretaciones lleguemos a algo.

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Me intriga, como había mencionado al inicio, lo simple que es (en primera instancia) la película. Tiene pocos personajes, los cuales no demuestran sentir demasiado sus papeles, nada más se encargan de accionar de acuerdo al argumento, lo cual indica que gracias a las acciones, vamos construyendo nuestras ideas acerca de esos personajes en nuestras cabezas y el rumbo que la película podría tomar. No da espacio para interpretaciones de un solo tipo, es bastante abierta.

Además, tiene una puesta en escena que no es para nada compleja, sólo lo necesario. Mayormente, los escenarios son las calles de la ciudad, que es lo que la hace aún mucho más bonita. Una fotografía nada despreciable, un blanco y negro decente que se conjuga con esa atmósfera seca y neutra, nada emocional.

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Los diálogos son precisos, no dan espacio para rodeos, sólo aparecen en el momento preciso. Del resto, se encargan las acciones. Como había leído en otros sitios, ¿quien se iba a imaginar que el hurtar una billetera o un valioso reloj (algo típico y nada relevante, digamos) podría transformarse en algo tan particular, tan bonito incluso?. Esta secuencia lo explica mejor.

La música también tiene su espacio en la justa medida, apareciendo en los instantes precisos. Sin molestar demasiado, la música es un complemento para dar mucha más vida a ciertas escenas, ya que en sí la película por sí misma puede transcurrir sin nada de música…si es que nos ponemos a pensar en ello.

Con Martin LaSalle como Michel, Marika Green como Jeanne, Pierre Leymarie como Jacques. Ninguno de los actores fueron profesionales. Otro punto a favor, aunque no lo parezca.

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Perfecta desde donde se lo mire, Pickpocket asegura un excelente momento tan solo comenzando a verla.

He aquí el trailer

y su IMDb.

 

Crawdaddy Simone

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Scarlet Street, perversa

De hecho el título en español es “Perversidad“.  No está lejos de ser así.

Nos trasladamos a USA y nos topamos con su “época americana”. Desde que pisó esas tierras, no llegó a hacer películas como M (del cual ya hablamos aquí) o Metrópolis, pero hizo películas como esta, de la cual se habla hoy, Scarlet Street. Una obra, como ya lo menciona el título, perversa.

La considero como una de mis favoritas, tiene sus particulardades que la hace apasionante. Una de las tantas obras que vale la pena revisar del gran Fritz Lang.

Trata de un hombre, Christopher. Un trabajador del banco, de función cajero, quien durante 25 años estuvo al servicio de la institución. La película empieza alegremente con una celebración hecha especialmente para él de parte de sus compañeros de trabajo y su jefe, quien en un momento, luego de una dedicatoria, le regala un reloj bastante valioso  que lo hace quedar casi sin algo que decir. Desde esta primera parte vamos conociendo a nuestro protagonista, quien se ve como una persona muy noble, dedicada a su trabajo pero al mismo tiempo se puede notar un cierto aire de frustración.

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Da la casualidad que se encuentra con un hombre y una mujer peleando a unas cuadras de él, y, queriendo intervenir, se interpone y “da su merecido” a quien quería hacer daño a Kitty (o Katherine), con quien surge una aparente historia de amor. Con la tal vez inocente intención de conquistarla, le dice que es pintor a tiempo completo y que realmente no está interesado en el dinero a la hora de poner en marcha sus trabajos.

Lo es, pero es nada más que un pasatiempo para liberarse de la tiránica esposa llamada Adele, quien en todo momento hace alusión a su difunto marido y tortura psicologícamente al actual de forma constante, diciéndole que él deberia darle la atención y las cosas que él solía ofrecerle.

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Pasa el tiempo y nuestro protagonista está cada vez más encantado con la bella y adorable dama. ¿Es posible que ella sienta lo mismo en algún momento de la historia?

Conocemos a Johnny, quien resulta ser la “auténtica” pareja de Kitty. Un hombre de lo más perverso que haría cualquier cosa por dinero. La relación entre ambos tiene constantes altibajos que a veces resultan en violencia, por cuestiones de dinero. Kitty vive en un apartamento con una amiga, comparten el alquiler pero Kitty no puede costearlo, ya que constamente su enamorado pide algo de dinero. Johnny descubre una carta redactada por Christopher en el apartamento donde vive con Kitty y la interroga, de ahí llega a conocer de quien se trata el autor de la carta y queda interesado. Le da la impresión de que Chris es un hombre afamado y con dinero, y ya que los tiempos en que ambos viven no son prósperos, se le ocurre el utilizar al noble artista como herramienta para poder conseguir algunos billetes.

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Kitty no está muy segura de eso, hasta por un momento nos damos cuenta de que ella tiene una imagen dulce y caballerosa de Chris, pero, ¿hará caso a lo que ella piensa, o lo que dice Johnny, quien se muestra cada vez más exasperado por tener algo de dinero? ¿De cuantas cosas uno puede ser capaz para tener el tan sonado bienestar económico?

Durante 25 años, Christopher ha sido intachable y ha llevado una buena vida, aunque por dentro no lo sienta de esa forma. Pero, ¿será capaz el noble y honesto cajero/pintor de hacer lo que sea con tal de conquistar a la mujer de sus sueños, y dejar atrás esa vida próspera pero a la vez frustrante? Es la primera vez que se topa con una mujer así, y esta es su oportunidad de encontrar la felicidad tan anhelada por él.

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Scarlet Street está protagonizada por Edward G. Robinson, un actor quien se luce en el papel del hasta enternecedor señor Christopher Cross; Joan Bennett como la bella y manipuladora Kitty (o Katherine March), un personaje que de alguna manera nos conquistará; y Dan Duryea como el cruel y no menos encantador Johnny Prince, un papel gracias al cual se ha destacado bastante.

Sin título

Siempre digo que películas como esta ya no se hacen, que actores como los citados anteriormente ya no vemos en ningún lugar, que directores tan increíbles e influyentes como Fritz Lang presenten obras como esta…que a pesar de las innumerables barreras que ofrece Hollywood, supo mantener su esencia y no defraudarnos con Scarlet Street. La cual considero una de las más logradas de la época americana, además de Fury, You Only Live Once, The Woman in the Window, The Big Heat y otras más.

Fritz Lang tiene un estilo que cada vez más me fascina, por el hecho de que cada historia, por más de que por dentro “queramos” que termine bien, él se propone hacer que termine de una manera que no siempre nos haga acordar de un cuento de hadas. Este director nunca fue fanático de los finales felices y creo que eso le da un toque que lo distingue. Es irreversible y muy cruel, que es capaz de jugar con las historias (y con nuestras emociones) de manera a que en algún momento nos quite el aliento y hasta por que no, gritar.

Hablando de lo visual, es una de las películas cuya fotografía más me ha llamado la atención, un blanco y negro radiante adaptándose a la atmósfera tan abrumadora pero intrigante. Ahora, les pregunto: ¿sería posible que una película alcance el resultado que se obtiene con el blanco y negro, si es que se hace a colores? Hablando del film noir, por supuesto…me gustaría que dejen sus opiniones.

El guión es uno de los más hilarios e interesantes, tiene líneas que se nos queda en la cabeza por un buen tiempo, y está más que logrado. Más aún por la interpretación de los actores, factor que favorece en gran medida al resultado final de la película. Si los actores no ponen de su partes para que los diálogos cobren vida, entonces en gran parte la película fracasa.

Una película para verla una y otra vez, la recomiendo!

He aquí el trailer,

y su IMDb.

Crawdaddy Simone

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Una temporada en el infierno con Rimbaud, anótense

Si, hace mucho tiempo estoy con esta sección a la intemperie. La obra que presento a continuación se va a encargar de revivirlo, y no se imaginan como. En esta ocasión, presentamos a Una Temporada en el Infierno.

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Escrita por Jean Nicolas Arthur Rimbaud, esta obra consiste en una exquisita y delirante poesía en prosa (con varias secciones no menos relevantes en verso) que nos hace viajar a su muy particular estilo.

Una de las secciones de libro, hace una mención directa/indirecta de la tormentosa pero intensa relacion que tuvo con el también escritor Paul Verlaine. Esta pareja en su tiempo, ha escandalizado mas de la cuenta, tanto asi que muchos los han despreciado. Verlaine incluso dejo a su familia (a quien maltrataba excesivamente, de hecho) para fugarse con Rimbaud. Quien luego de un breve lapso de tiempo, intensamente vivido, terminaron abruptamente su relación. Teniendo en cuenta que casi Verlaine mata a Rimbaud. Igualmente, Rimbaud, ya alejado de la escritura, encargo a Verlaine los manuscritos de lo que seria otra de sus obras, Iluminaciones.

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El paso de Rimbaud por este mundo (y el de las letras) fue demasiado breve, pero aprovecho su tiempo lo suficiente como para dejar su huella. Murió a los 37 años aquejado de una enfermedad.

Es interesante como ciertos libros -incluyendo a este-, tienen la capacidad de crear imágenes tan preciosas en nuestras cabezas. No tienen que ser precisamente realistas o demasiado obvias, pueden ser sueños…pueden ser delirios, alucinaciones, deseos…lo que sea. No importa su naturaleza, se crean esas imágenes y nos mantienen por un breve lapso de tiempo y, muy a pesar nuestro, no queremos que termine. Rimbaud hizo uso a su manera de las palabras para hacerlas imágenes de una manera increíble, leamos unos cuantos extractos:

“‎(…)
¿No están allí esas almas honradas, que desean mi bien?…¡Que acudan!… Tengo una almohada sobre la boca, no me oyen, son fantasmas. Por lo demás, nadie piensa en los otros. No se me acerquen. Huelo a quemado, es evidente.
(…)

– de la sección Noche en el Infierno

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“Volveré con miembros de hierro, la piel ensombrecida y los ojos enfurecidos: por mi máscara se juzgarán de una raza fuerte. Tendré oro: seré ocioso y brutal. Las mujeres sueñan con esos feroces inválidos que vienen de los países cálidos. Estaré inmerso en asuntos políticos. Salvado.

Mientras tanto, estoy maldito, y me horroriza la patria. Lo mejor es tirarse completamente ebrio en la playa.

– de la sección Mala Sangre

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“Gustaba de las pinturas idiotas, ornamentos de puertas, decorados, telas de saltimbanquis, enseñas, iluminadas estampas populares; la literatura pasada de moda, latín de iglesia, libros eróticos sin ortografía , novelas de nuestras abuelas, cuentos de hadas, pequeños libros de infancia, viejas óperas, estribillos bobos, ritmos ingenuos.

Soñaba cruzadas, viajes de descubrimiento sobre los que no existen relaciones, repúblicas sin historia, guerras de religión sofocadas, revoluciones de costumbres, desplazamientos de razas y de continentes: creía en todos los encantamientos.

¡Inventaba el color de las vocales! —A negra, E blanca, I roja, O azul, U verde.—Regía la forma, el movimiento de cada consonante, y, con ritmos instintivos, me jactaba de inventar un verbo poético accesible, un día u otro, a todos los sentidos. Reservaba la traducción.”

– de la sección Alquimia del Verbo

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Puedo dar garantías de que se van a quedar con el libro durante toda la jornada, desde el momento en que lo agarren. Es uno de esos libros que anulan el paso del tiempo, de tan inmerso que estas en el, hasta que te das cuenta de que el libro se ha terminado. Y claro, da para leerlo de nuevo. Una y mil veces.

Consideremos que este es el único libro publicado por el propio Rimbaud, en su tiempo no hubo demasiada distribución, solo unas cuantas personas recibieron una copia de ella en su momento. Este libro originalmente lo había escrito para el mismo. Aunque a principios del 1900, el resto de aquella edición fue encontrada por un critico francés.

Lastimosamente, como suele suceder en muchos casos. Se comenzó a valorar el trabajo del fabuloso Rimbaud en sus últimos tiempos y mucho mas, luego de su muerte. Toda su obra, incluyendo la que estamos citando en este post, ha marcado a muchos escritores (véase Jim Morrison, Patti Smith, Bob Dylan, André Bretón, etc) y no tan escritores.

Firma, Crawdaddy Simone (o Crawñ)

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P.D.: Algún libro para recomendarme? Sean libres de gritarme, querubines.

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El Conformista, autentica cátedra sobre cine

El titulo habla por si solo. Esta película da excelentes cátedras sobre lo que es hacer cine. Innovadora en todo sentido, El Conformista es una de las más destacadas del director italiano Bernardo Bertolucci. Con 19 años, comenzó a entrometerse en el mundo del cine siendo ayudante del no menos grande Pier Paolo Pasolini. 10 años mas tarde, alcanzaría fama internacional con una película por demás provocadora y poseedora de tantas aristas a analizar, que llevaría a escribir excesiva cantidad de párrafos sobre ellas.

Por tanto, tomaremos a aquellas aristas que harán que usted, lector -si aun no la vio-, se quede mínimamente interesado en verla. Garantizo que es imposible ignorarla. Atiendan lo que sigue.

El Conformista, de Bertolucci, esta basada en una novela homónima de Alberto Moravia. Tengamos en cuenta que si bien, uno de los aspectos destacables de esta película es el argumento tan intrigante que tiene, no es una adaptación fiel de la novela de Moravia. Cito esto, de acuerdo a otras fuentes a las que recurrí.*

Trata de un hombre que desea ser “normal” (Marcello Clerici), lo pongo entre comillas porque ese tipo de concepciones no son para nada objetivas. Para nuestro protagonista, el ser “normal” es tener una familia, creer en la religión (aunque en realidad no creyera, y solo lo hace para poder encajar), y…ser parte del fascismo. Este ferviente deseo de querer encajar en la sociedad, le lleva a experimentar mucho mas de lo que buscaba.

Clerici viaja a París con Giulia para pasar su luna de miel allí, la misma es una joven e ingenua mujer burguesa, muy hermosa y encantadora, pero por demás, superficial. Luego, nos percatamos de que está encargado de matar a uno de sus profesores de la universidad, un profesor con la mentalidad contraria a nuestro conformista Clerici. Lo hace por el fascismo, por el fascismo que el siente que debe tener dentro suyo. Naturalmente, este profesor no se percata de lo que en realidad quiere el conformista…hasta el momento en que sucede. La verdadera intención de Clerici está delicadamente enmascarada con ese aire amistoso y nostálgico de querer ver a un querido profesor de la universidad luego de mucho tiempo.

En un momento de la película, Clerici y el doctor, con sus parejas correspondientes se encuentran en la casa del doctor. Hay una especial conexión entre las mujeres, hay un interés muy pronunciado de parte de Anna (pareja del doctor) hacia Giulia. Giulia en ningún momento parece ceder ante esto, quedando incluso asustada ante las insistentes señales de ella para poder conquistarla. Esto se anula por decir, en una de las escenas más recordadas de esta película, mayormente por el carácter erótico de ellas. Pero, debo hacer hincapié en el hecho de que esta y otras escenas similares, no solo de esta película sino en otras, no encierran mero erotismo. Debemos mirarlas más allá del morbo, son mucho más profundas y hay muchos más mensajes en ellas, aparte de lo sexual. Da pena que de repente, se sienta el hecho de que películas como esta se recuerden por el carácter erótico de las escenas, aspecto que en realidad no importa demasiado en relación a lo que en realidad desean transmitir.

Hay un flashback determinante a la hora de entender por que Clerici desea ser un conformista. Durante su infancia, se encuentra con Lino (brillantemente interpretado por el gran Pierre Clementi), un chofer que en un momento, intenta sodomizarlo…y al percatarse Clerici de este deseo, lo mata. Para evitar sospechas, deja el arma en las manos del ya “difunto” Lino, y sale corriendo. Pongo entre comillas lo difunto, pues en otro momento de la película, se encontrarán con una escena que probablemente de buenas a primeras no explique demasiado sobre lo que quiere expresar la película, pero que al final, acabaran impresionados. Bertolucci sorprende demasiado con El Conformista, mucho más de la cuenta.


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Una obra maestra como pocas, como menciona el titulo, es una cátedra sobre cine. Es imposible no ignorar, por ejemplo, la brillante dirección de Fotografía por parte de Vittorio Storaro, a quien considero como persona fundamental a la hora de dar vida a El Conformista. Es más que impecable y por sobre todas las cosas, inolvidable. Cada fotograma vale encuadrarla y ponerla en la pared de tu habitación.

Vale verla una y mil veces, y cada vez que la vean, van a descubrir algo nuevo. Hasta ahora la vi dos veces, y ambas fueron experiencias distintas. Esta segunda vez la comprendí mucho más, considerando el argumento. No creo que la haya comprendido por completo, tal vez una tercera (ad)mirada me haga comprenderla mucho más. Sin lugar a dudas, una joya del cine. Para recordarla siempre.

He aqui el trailer,



y su IMDb.

Firma, Crawdaddy Simone

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* Aun no leí la novela, esta entre mis actividades pendientes en leerla. Si alguien ya la leyó, me gustaría que me lo comenten.

P.D.: Considero suficiente lo que he contado sobre ella. No es parte de mi propósito analizarla en detalle en este momento. En otro momento, tocare aspectos mas específicos sobre ella. Mientras tanto, dejo este post a consideración de aquellos -especialmente- que todavía no la vieron.

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Especial Ingmar Bergman: trilogía sobre la relación Hombre-Dios

Probablemente, una de las trilogías mas poderosas de la historia del cine. No es tal porque cuenta una historia que se divide en tres partes. Son tres historias, que al final van conectadas por un mismo theme.

De Ingmar Bergman se esperan cosas maravillosas, y estas tres películas a presentar no son la excepción. Ya habíamos hablado de El Séptimo Sello, en donde se nota a leguas la excelencia de su trabajo.

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Empecemos con Through A Glass Darkly.
Significa “Como en un espejo” y viene de un pasaje biblico que dice asi:

“Pero nosotros todos, con el rostro descubierto, contemplando como en un espejo la gloria del Señor, estamos siendo transformados en la misma imagen de gloria en gloria, como por el Señor, el Espíritu. 2 Corintios 3:18

Trata de una familia literalmente desintegrada, quien tiene que lidiar con la enfermedad (esquizofrenia) de uno de los integrantes. Se llama Karin, y ella se lleva el protagonico al por poco llevar a la locura al resto de su familia gracias a sus alucinaciones, podríamos decir, sobre la presencia de un ser superior. Serán meramente alucinaciones por su enfermedad? Tendrá razón?

Su esposo Martin, quien a pesar de todo esta siempre a su lado para protegerla y amarla, aunque ella no da de si para poder mantener la llama encendida de su matrimonio.

Su padre, David. Es un escritor muy exitoso quien aparentemente, se deja llevar por eso y llega al punto de ser extremadamente egoísta. Solo por poder encontrar algo de que hablar en sus siguientes títulos.

La performance de Harriet Andersson como Karin es brillante, da piel de gallina, incluso te puede estremecer y salir del asiento y ponerte de pie para poder sentir mas intensamente lo que ella esta diciendo. Igualmente, el resto del cast, se luce como siempre. Citando por ejemplo a Max Von Sydow y Gunnar Bjornstrand.

He aqui el trailer:



y su IMDb.

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A continuación, Winter Light.

En realidad, la traducción literal del titulo original en sueco seria The Communicants, se lo conoce mayormente por Winter Light.

De la manera en como transcurre la historia, esta película es la mas “sencilla” pero no menos hermosa e interesante.

Trata de Tomas, un pastor quien ofrece servicios diariamente pero sufre una crisis con su fe. Al inicio de la película, podemos apreciar el hermoso templo en donde transcurre el servicio y como el mismo sucede de manera tan apagada, tan vacía y tan…sin sentido, se podría decir. Ademas, del hecho de que en la misma se encontraban no mas de 7 personas. Esto ultimo se puede interpretar de diversas maneras, se darán cuenta luego, si todavía no la vieron. Y para poder darle mucha mas oscuridad a esta atmósfera, se suma el crudo invierno que complementa perfectamente a esta historia.

Entre las personas presentes en este primer servicio, se encuentra Marta, quien, lejos de querer hacer alguna oración o una plegaria, se encuentra observando al pastor con desesperación, ansiedad, e incluso algo de lástima. Es comprobable ya de entrada, como había dicho en el párrafo anterior, la manera vacía y poco emocionante en que hace el servicio.

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Tomas y Marta, durante algún tiempo llegaron a ser amantes. Y, por un motivo que percibiremos luego, Tomas la deja de lado. Y esta vez, la mujer quiere volver a el, de alguna manera, tratara de hacer todo lo posible con tal de tener a su lado nuevamente a su adorado Tomas.

En medio de esta historia, se encuentra otra que consiste en la debilidad de un hombre llamado Jonas, quien ya no consigue ver un motivo para seguir viviendo. Forzado por su esposa, ambos van junto al pastor en busca de alguna ayuda. Será que, a pesar de la prácticamente nula creencia del pastor en ese Dios, Tomas podrá ayudarlo?

Los actores presentes en esta película son Gunnar Bjornstrand, Ingrid Thulin, Max Von Sydow y Gunnel Lindblom.

He aqui el trailer,



y su IMDb.

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Finalizamos con The Silence.

De la trilogía, esta es la que más escándalo ha causado en su momento. Debido a esa tension sexual permanente y en las escenas un tanto fuertes para esa época.

Dos hermanas, Anna y Ester. Entre ellas se encuentra el hijo de Anna, Johann. Los tres emprenden un viaje, por un motivo que no sabemos bien, a una ciudad de un país extranjero, que tampoco se especifica de entrada. Resulta que Ester trabaja como traductora de libros y esta siempre con la intelectualidad encima suyo, antes que nada. En cambio, Anna es una simple joven madre a quien no le interesa ese tipo de cosas y pasa la mayor parte del tiempo, caminando por las calles de la ciudad con muy buen aspecto (lease, bien maquillada, vestida..esos detalles). Aparentemente, es una simple diferencia entre los caracteres de estas dos hermanas, pero va mucho mas allá de eso.

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Ester se encuentra enferma, y no puede salir del hotel. Entonces, se queda acostada, fumando, tomando unas copas y tratando de continuar con su trabajo. En ocasiones, su enfermedad tiene picos terribles que la hacen quedar exhausta y muy débil.

Estas hermanas, sufren de una enorme falta de comunicación. Apenas se hablan y, especialmente de parte de Anna, no hay mucha preocupación acerca de lo que podría pasar. Ella solo quiere caminar por las calles en busca de algo de placer, incluso, aunque le asuste…el ver a dos personas teniendo relaciones sexuales frente a ella.

Podrán alguna vez normalizar esta relación, que incluso podría llegar más allá?

Seguramente, el único sin algún problema es Johann. Inocente como todo niño, pasa la mayor parte del tiempo en los pasillos del enorme hotel, sin entender en gran medida, que es lo que sucede entre su madre y su enferma tía. Teniendo que sucumbir, desde ya, ante los caprichos de su atrevida madre.

Protagonizan esta película: Ingrid Thulin, Gunnel Lindblom y Jorgen Lindstrom (el mismo niño quien aparecerá luego en Persona).

He aquí el trailer:



y su IMDb.

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Que tienen en común estas obras? Tienen en común el hecho de como, según la perspectiva de los participantes de las historias (o del director mismo), como vivimos en un mundo en donde aparentemente, Dios nos ha abandonado. Encuentro a estas tres películas muy intensas, muy hermosas y por sobre todo, muy humanas. Incluso si realmente yo negase la existencia de un ser superior.

Es desgarradora la manera en que Bergman retrata cuando uno se sumerge en esa duda, si realmente eso que uno cree es cierto, o simplemente cree por creer. Cuando uno tiene la certeza de que algún dios va a venir junto a nosotros y va a demostrarnos que en realidad existe y así de una vez acabar con la falta de certeza. Cuando definitivamente, no hay nada dentro nuestro, ese vacío espiritual y emocional que nos consume y nos hace cometer locuras. Eso es lo que personalmente, me da a entender Bergman, de una manera tan particular y tan preciosa. Independientemente de mi condición de agnóstica.

Aquí uno puede percatarse como la manera en que uno expresa el mensaje puede llegar a romper las barreras y llegar al corazón, no solo a los que creen lo mismo que uno, si no también a los que no.

Trilogía recomendada en un 100%.

Firma, Crawdaddy Simone.

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